[inoch4n]

Soy una recién llegada y aparte de decir que esto es muy waiii, debo preguntar si hay algún historiador del arte que pueda ofrecerme algo de ayuda-información :( Estoy haciendo unos estudios de iconografía clásica y tengo una obra barroca repleta de figuras por donde quiera que mires que no consigo identificar en tu totalidad y se me acaban los recursos. En concetro se trata de "Rubens pintando: Alegoría de la Paz" Autor: Luca Giordano. Si alguien supiera cualquier detalle al respecto que contacte conmigoooo.
Gracias y hasta muuy pronto!

[Calistinus]

En estos momentos estoy preparando un trabajo sobre el citado cuadro en el que se incluirán los apartados:
Descripción del cuadro
Lugar para donde fue realizado el cuadro y su trayectoria hasta donde se haya expuesto
Estilo del pintor
Biografía del pintor
Promotor de la obra
Modalidad y género
Estilo de la obra
Análisis iconográfico e iconológico
Función y aportación de la obra.
Técnica utilizada
Composición y otros elementos
Otros.
Hasta el miércoles día 13 no habré terminado, ya que es un cuadro del que existe poca literatura.
De todas las maneras te adelanto lo que he localizado en página web - enciclopedia on - line del museo del Prado, en cuanto a composición e iconografía.
Constituye una de las pinturas más complejas de Giordano, tanto desde el punto de vista compositivo, como por su significado y cronología. En su mitad derecha representó una compleja alegoría de la guerra, representada por Marte, que es rechazado por Venus, su amante, que simboliza la paz y protege todo aquello que la guerra destruye. Rubens (1577-1640) asiste a la escena rodeado de personajes simbólicos. En el plano inferior aparecen sobre el suelo los objetos que destruye la guerra: el poder político (el cetro y el orbe); el comercio o el conocimiento científico (el astrolabio y la esfera armilar); la literatura o los tratados de paz (un manuscrito enrollado); las artes (la máscara, la estatua, el laúd con las cuerdas rotas, la partitura, el compás y la escuadra) y finalmente, la fama (corona de laurel). Detrás, violentos cañonazos anuncian el inicio de la contienda, que sólo espera para iniciar su destrucción que el Furor se libre de sus cadenas.
No sé si con esto te bastara, sino dime tu dirección de correo y el jueves te envió todo el trabajo.
Un saludo de felipe.

[inoch4n]

Felipe:

No sabes cuan agradecida te estoy; de momento sólo tenía que identificar las figuras de modo que la información que me has facilitado me sirve enormemente. Si cuando termines tu trabajo quisieras mandármelo para satisfacer mi curiosidad aquí te dejo mi mail : [Sólo los usuarios registrados pueden ver los enlaces. ]

De nuevo de lo agradezco ^^ Un saludo !

[Augusto]

Gracias y bienvenido, Calistinus!

[lienzo]

oye Calistinus....
seria bueno que nos pusieras algo de esa info aqui.... pues me quede tan.... intrigada por seguir leyendo!!! son temas que a todos nutren y.... gracias por atender a la ayuda de inoch....
saludos!

[phebe]

Muy buenas. He visto que ha hecho un trabajo sobre este cuadro. Sería posible que a mi también me lo mandes? Muchas gracias.
Mi correo es [Sólo los usuarios registrados pueden ver los enlaces. ]

[Calistinus]

A todos los que me habeis pedido el desarrollo completo del cuadro Rubens pintando la alegoría de la Paz os lo he enviado a vuestro emails particular ya que como lo intercalo con cuadros del mismo autor, en este caso Luca Giordano ó Lucas Jordan ó Luca FA PRESTO, su peso es grande, lo he tenido que mandar en seis mensajes.<FONT size=4>
A él resto del foro solo os lo voy a enviar el texto y en tres partes.
Un saludo de felipe.

Rubens pintando la Alegoría de la Paz ó El genio de Rubens (1682)
Luca Giordano(1634 – 1705)
337 X 414
Museo del Prado en Madrid, España.

1ª Parte

DESCRIPCIÓN DEL CUADRO.
En su parte central aparece un personaje vestido de rica manera y ataviado con un sobrero; sobre el pecho una cadena de la que cuelga una medalla en la que hay una cruz roja, en su mano derecha porta un pincel y en la izquierda una paleta, más pinceles y un tiento, lo que nos da a entender de que puede tratarse de un pintor, el personaje nos está mirando.
Este personaje se encuentra sentado sobre otro personaje que está sufriendo ya que está siendo atormentado por un angelote.
El caballete sobre el que se apoya el cuadro que está pintando, es un oso que esta encadenado por dos angelotes, uno de ellos sujeta la cadena.
Detrás de este personaje aparece una señora con una corona de laurel que lleva una rosa en su centro, la esta sujetando con ambas manos, a sus pies hay un pavo real y detrás aparece otro personaje femenino de piel oscura.
Por encima de ellos, tres personajes los sobrevuelan, uno es un angelote que está tocando una trompeta, los otros dos son personajes femeninos, uno esta vestido con armadura y casco con penacho de plumas y en la mano derecha una lanza; la otra lleva una corona de espigas de trigo y lo que parece una fuente con varios frutos, manzanas, naranjas y uvas, en las manos.
A los pies del pintor hay dos angelotes, uno está haciendo pompas de jabón, cerca de estos y desparramados por el suelo hay varios objetos, hay un cetro y un orbe, una espada, un astrolabio y una esfera armilar, un laúd y unas partituras, unas monedas, una corona de laurel, la cabeza de una estatua y una máscara, todo lo citado hasta ahora ocupa la parte izquierda del cuadro.
A la derecha y de arriba abajo, vemos varias columnas clásicas, una de ellas separa a dos personajes a la izquierda, el personaje con una expresión violenta en su cara esta vestido con armadura y espada, lleva casco con plumas y como cimera un dragón, en la mano izquierda lleva un bastón, a sus pies un angelote con la mano levantada, un cañón que está siendo disparado, en el suelo y tumbado un personaje también con un rictus cruel en la cara, se encuentra encadenado por la cintura.

A la derecha de la columna, un personaje femenino semidesnudo, de la cual no vemos la cara, levanta en gesto brusco su mano derecha hacia el personaje masculino del otro lado de la columna, esta reclinada sobre un lecho adornado con esculturas. Estos personajes son los que aparecen en el cuadro que el artista está pintando.
Detrás de este personaje hay otros tres, uno es una mujer que lleva una corona de rosas y levanta su mano derecha en idéntica actitud a la anterior, un angelote toca una pandereta y una mujer lo que podía ser un laúd, sobre todos estos personajes un angelote con alas de mariposa, que esta agarrado al lienzo que les cubre, observa la escena.
A los pies del personaje femenino que esta sobre el lecho y separados por una pierna de esta hay a la derecha, un tigre que está montado por un angelote con alas de mariposa, en sus manos tiene una corona de flores, debajo de la tripa del tigre aparece otro angelote.
A la izquierda de la pierna y debajo del angelote que tiene la mano levantada, hay una mujer semitumabada en el suelo y cerca de ella, otro angelote con alas de mariposa, lleva una corona de laurel y sostiene con su mano izquierda una cinta blanca que está atada a la pata de una paloma blanca que lleva una rama en el pico.

LUGAR PARA DONDE FUE REALIZADA LA OBRA Y TRAYECTORIA HASTA DONDE SE ENCUENTRA EXPUESTA.
El primer poseedor de esta pintura de esta pintura fue D. Gaspar de Haro y Guzmán (1629 – 1687), séptimo marqués del Carpio, su adquisición se realiza en el año 1682, cuando Don Gaspar que era embajador en Roma, aparece inventariado entre los elementos que se embarcan para ir a su próximo destino Nápoles, ya que fue nombrado virrey (1682 – 87), a su muerte, pasa a sus herederos.
No se sabe donde permanece durante los próximos 27 años pero en 1711 es inventariado en la colección de D. Luis de la Cerda y Fernández de Córdoba, IX duque de Medinaceli.
En 1743, se haya inventariado en la extensa colección de arte de D. Zenón de Somodevilla y Bengoechea (1702 – 1781), marqués de la Ensenada.
A partir de la llegada al poder de Carlos III (1716 – 1788), en 1759, Ensenada comenzó a desprenderse de su colección, vendiendo una parte, a particulares y lo mejor al rey.

<B><FONT face="Comic Sans MS"><FONT size=3><FONT color=#000000>Las piezas adquiridas por el rey fueron inventariadas por Antón Raphael Mengs (
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2º Envió.
ESTILO DEL PINTOR.
Luca Giordano es quizá el más fecundo artista de todo el barroco. Artista precocísimo y con unas excepcionales cualidades técnicas que le permitieron un mimetismo sin igual, asimilando por completo los estilos de sus maestros, dotado de unas condiciones excepcionales cultivó todos los géneros.
La obra de Giordano está claramente vinculada, aunque tal vez sólo en sentido ideal, con la de Pietro da Cortona en Roma, el gran maestro cuyos antecedentes del siglo XVI había conocido Giordano en Venecia y cuyo estilo junto con el de Paolo Veronense, tanto lo influyó.
Tiziano, en particular, le inspiró los estallidos de color de sus obras de juventud, en la maduración de su estilo también influyeron poderosamente otros artistas como Mattia Preti, Rubens, Van Dyck y Bernini.
Pintor de amplia producción, unas cinco mil obras entre lienzos y frescos, se le conoce y fue conocido por el sobrenombre de Luca Fa Presto, Luca el Rápido.
Pintaba «a la manera de» artistas tan diversos como los primitivos flamencos Rafael, Correggio, Bassano o su maestro Ribera.
En la decoración de techos y paredes de grandes estancias es donde recoge y enriquece la herencia de Cortona, y aunque de lejos, de Correggio.
El sentido dinámico y colorista; su invención, eficacia y prontitud en la realización de su obra, va hacer que no tuviera rivales en su época.
Su influencia fue muy amplia, la escuela napolitana del Settecento a él se debe, así como buena parte de la florentina.
La obra dejada en España influirá en un gran número de pintores nacionales del fin del siglo XVII y principios del XVIII y finales de este siglo su obra va tener gran influencia en la formación de un futuro pintor, Francisco de Goya.
Tal como ya se ha dicho su maestría quedó arraigada en la pintura del XVIII, dejando una clara influencia tanto en composición como en técnica, y a pesar de las infravaloración que sufrió en el siglo XIX, durante el Neoclasicismo, el tiempo ha sabido darle el reconocimiento merecido, siendo considerado en la actualidad como uno de los grandes maestros del último barroco europeo, exaltando ante todo su magia de composición y su sentido dinámico y colorista.

BIOGRAFÍA.
Luca Giordano es un pintor y grabador italiano, conocido en España como Lucas Jordán, nació el 18 de octubre de 1634 en Nápoles, hijo de Antonio, un mediocre pintor de oficio.
Se supone que recibiría la primera educación pictórica en el taller de su padre, pero su verdadero maestro hubo de ser José de Ribera, en cuyo taller permanece toda su adolescencia y de cuyo estilo hay amplia huella en toda su obra posterior.
Giordano no tardó en marcharse de Nápoles, tal vez a raíz de la muerte del prestigioso maestro español, acaecida en 1651, viajando a Roma, Florencia y Venecia con el fin de ampliar estudios.
En 1653, Giordano se encuentra de nuevo en Nápoles, y no tarda en adquirir un estilo original que combina la influencia de Ribera, la de los venecianos del siglo XVI y la de los artistas flamencos, en particular Van Dyck y Rubens, artistas que estudió probablemente en colecciones particulares napolitanas.
En 1654, es decir, a los 20 años, es ya pintor independiente y de calidad. Los años siguientes ven crecer su estimación en Nápoles.
Contrae matrimonio el 17 de septiembre de 1658, con Marherita Dardi y le llueven encargos no sólo en su ciudad sino en toda Italia, especialmente en Venecia, lo que hace suponer uno o más viajes a la ciudad del Adriático, que explicarían su magnífico conocimiento de los grandes venecianos.
En 1664 se le incluye en la hermandad de los Santos Ana y Lucas de los pintores
En 1665 el artista se encontraba una vez más en Florencia, trabajando para los Medici.
En 1677 recibe el encargo de la decoración de la abadía de Montecassino, una de sus obras más importantes, destruida en 1943.
En 1682 viaja de nuevo Florencia donde pintó la cúpula de la capilla Corsini de la iglesia del Carmine y comenzó los frescos de la galería y de la biblioteca del palacio Medici- Riccardi, su obra maestra, que terminó cuando volvió en 1685.
El esplendor y naturalismo de este proyecto supuso el reconocimiento de su deuda para con la obra y el estilo de Pietro da Cortona.
Giordano vivió en Nápoles durante varios años, pero en 1692 se consumó su fama internacional como artista cuando el rey Carlos II de España le ofreció el cargo de pintor de corte. El número de obras que ejecutó durante la década siguiente supera lo que otros artistas habrían realizado durante toda una vida.
En Madrid es recibido con extraordinario honor y se le conceden puestos importantes en Palacio, asignándosele un elevado salario y concediendo además puestos importantes a sus hijos.
El cambio de dinastía en 1700 no le priva de sus honores y encargos; retrata al nuevo rey, como había antes retratado a Carlos II y a su esposa, y en 1702 vuelve a Nápoles acompañando a Felipe V en su viaje a aquel reino.
Los últimos años de su vida serán enormemente productivos terminó un ingente número de encargos.
Giordano, fallece en Nápoles el 03 de Enero de 1705, murió antes de que pudiera terminar los frescos de la sacristía de la iglesia de Santa Brígida, que acabaron sus discípulos basándose en los bocetos del maestro, el día 04 de enero es enterrado en la misma iglesia donde está realizando los frescos.

PROMOTOR DE LA OBRA.
Parece ser que fue un encargo al pintor de D. Gaspar de Haro y Guzmán, séptimo marqués del Carpio
Tal vez sea una obra en la que se mezclan los intereses coleccionistas de Carpio y un homenaje entre artistas como tema.

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Este es el ultimo envió. Espero que os interese y si tenéis alguna duda ó necesitareis alguna aclaración quedo a vuestra disposición.

MODALIDAD Y GÉNERO.
Se trata de una obra de caballete del género mitológico, pero con una peculiar visión de la iconografía clásica del pintor napolitano, adaptada al estilo del gran maestro flamenco.

ESTILO DE LA OBRA.
Es una obra de estilo barroco.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO E ICONOLÓGICO.
Se trata de una pintura con una iconografía e iconología complicada, es difícil describir el extraño mundo que rodean al flemático Rubens. Este aparece ataviado como un caballero, tocado con sombrero y en el pecho ostenta la venera de la orden de Santiago, cosa extraña, pues Rubens no fue nombrado caballero de esta orden, los instrumentos de sus manos le dan la condición de artista y es el único personaje que mira al espectador.
El artista se halla rodeado de un panteón de deidades clásicas, empecemos por su asiento, se trata de la atormentada Discordia, dominada bajo su peso y a punto de ser atormentada por un cupidillo.
El caballete sobre el que se apoya el cuadro no es menos extraño, ya que se trata de un oso encadenado por dos amorcillos, símbolo de la Ira, aunque en esta ocasión podría tratarse del Buen Consejo, por ser una calidad deseable para los cortesanos y embajadores.
A su lado la diosa Juno, identificada por el pavo real, como signo del Orden natural y de la Majestad. Sobrevolando al pintor La Fama, Minerva y la Abundancia.
La primera proclamando la llegada de la Paz a cuyas causas y recompensas aluden las otras dos, la prudencia, la protección de las artes y la prodigalidad en los dones que hay en la cornucopia.
A los pies del artista, un erote sopla pompas de jabón en alusión a la fragilidad de la vida, los objetos que aparecen por el suelo son elementos que destruye la guerra: el poder político, el cetro y el orbe; el comercio o el conocimiento científico, las monedas, el astrolabio y la esfera armilar; la literatura o los tratados de paz, un manuscrito enrollado; las artes, la máscara, la estatua, el laúd, la partitura, el compás y la escuadra y finalmente, la fama, la corona de laurel.
La Paz posa ante el pintor como si de una Venus rubeniana se tratase, su iconografía se confunde con la diosa del amor, puesto que esta venció a Marte con sus encantos. Se está incorporando de su lecho para rechazar al dios de la guerra.
Este aparece como un soldado armado que se gira airadamente, mientras acecha en la sombra tras una columna debajo de él su inseparable compañero el Furor, encadenado a los cañones, que en ese instante disparan.
Por encima de todos ellos, el pórtico de un templo jónico, representando el Templo de Jano en la antigua Roma cuyas puertas permanecían cerradas en tiempos de paz y se abrían en caso de guerra.
De tal manera que se podría interpretar todo esto como que el Furor se ha escapado del interior del templo, mientras Martes se prepara para desterrar a la Paz, pero el gesto imperioso de la deidad consiguen frustrar las bravuconadas de su enemigo.
Detrás de la Paz se encuentra su sequito, compuesto por alegorías y juguetones céfiros, las mujeres se podrían interpretar como algunas de las Musas, dando a la Paz la categoría de ministra de las artes, bajo cuya protección proliferan el ingenio y el intelecto, con lo que se puede vencer a la guerra.
Así la coronada de flores podría ser Terpsícore, musa de la danza ó Euterpe, musa de la música, es dudosa su identificación ya que no portan otros distintivos. La mujer que toca el instrumento de cuerda, podría ser la Concordia, ya que así se la representa a veces, quien levanta la pandereta seria Erato, musa de la poesía amorosa. Todas ellas rodeadas de cefirillos, con sus características alas de mariposa.
Dos de ellos se entretiene en amansar a un leopardo, animal que suele tirar del carro del dios Baco, que representaría la pasión y fiereza de la guerra domeñadas. El que cabalga sobre el leopardo y está a punto de coronarle de flores mira con recelo a una retorcida escultura que sirve de adorno al lecho de la Paz, se trata de la vengativa furia Alecto, remarcando así que el triunfo de la Paz descansa sobre el dominio de las Furias.
Por ultimo otro cefirillo, corretea delante de todos, esta coronado con ramas de olivo signo de la paz y lanza al aire una paloma que en su pico lleva otra rama de olivo, aunque sujeta con una cinta, todo ello como símbolo de esperanza de paz.

TÉCNICA UTILIZADA.
Es una obra realizada con la técnica al óleo sobre lienzo.

COMPOSICIÓN Y OTROS ELEMENTOS.
La composición realiza un recorrido casi circular de izquierda a derecha alrededor de la figura del pintor, comenzando en el angelote que realiza pompas de jabón, y terminando en la paloma que hay en su centro del lienzo.
La luz del fondo ilumina toda la escena y junto a la utilización de una amplia gama de colores el autor consigue realizar una gran composición pictórica.
No deja de sorprender la adopción del estilo del flamenco por parte del napolitano, tanto en anatomías y vestimentas como en la gama cromática, que se encamina directamente al barroco flamenco de Van Dick o Frans Hals.

[alpina]

Calistinus ...
Un anàlisis pormenorizado de los distintos aspectos de la obra ...

Te lo agradezco en nombre de quienes lo necesitan para realizar sus trabajos de estudio ...y en el mìo propio...pues me ofrece un esquema de observaciòn de la obra y detalles en los que no habìa reparado ...

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Esta es la obra arriba mencionada:
"Rubens pintando la Alegorìa de la Paz", de Luca Giordano.

[Augusto]

Muchas gracias Calistinus por tan importante y fructífero análisis de esta obra maestra.